Facultad de Diseño y Comunicación
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ESCENA CREATIVA

Los ciclos de Escena Creativa, también llamados Seminario de Autor, se crearon en el año 2005 y se dictan de forma ininterrumpida desde entonces. Están coordinados por Héctor Calmet y Andrea Pontoriero y consisten en cursos gratuitos y abiertos a la comunidad donde los profesionales del medio del espectáculo trabajan de una forma intensiva las problemáticas y las nuevas tendencias que se expresan en el mundo del espectáculo.

A continuación se detallan todos los ciclos, comenzando por el más actual:

 

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"Es fundamental que un actor tenga inteligencia dramática"

Dijo el autor y director Manuel González Gil, el 30 de octubre en la Facultad.

(…)“Argentina tiene un sistema casi único, que no existe en otras partes del mundo donde el productor se asocia con los actores y los directores y éstos no cobran un sueldo y van a porcentaje, esto genera algo muy importante porque todos consideran el proyecto como propio y entonces se comprometen”. (…) “Hay muy pocos productores profesionales en Argentina y hay que cuidarlos. Amo trabajar con Lino Patalano, porque toma riesgos, contrata a los actores adecuados, publicita, contiene, impulsa y vende el proyecto”. (…)

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"Le doy valor a las palabras"

Expresó Ricky Pashkus, Docente, Coreógrafo y Director Teatral, el 9 de octubre en la Facultad.

(…) “Le doy valor a las palabras porque las considero un sinónimo de pensamiento, entonces cuando hablamos del problema del mundo del espectáculo, estamos hablando de un problema que 'elegimos'. Considero que nuestra vocación es como una cárcel y que estamos presos de nuestra propia elección, ya que allí está el deseo. El teatro debe ser entendido como un problema que deseamos y decidimos abordar”, expresó y continuó: “Hay una primera dificultad en la elección porque muchas veces va contra el mandato tradicional, entonces decidir requiere de la pulsión”. (…)

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"Me cuesta mucho trabajar sin un paisaje musical"

Dijo Alejandro Cervera, Coreógrafo y Réggiseur, el 2 de octubre en la Facultad.

(…) El profesional contó que esta compañía está formada por bailarines muy jóvenes: “Definí las escenas y lo que quería decir de Eva, cuál iba a ser la estética, la escenografía, el vestuario, el maquillaje y el vocabulario, que en la danza es cómo se mueven los bailarines. Sabía que estos bailarines tenían una buena formación en tango y folklore y que comenzaban con las técnicas de la danza contemporánea. Entonces, tenía por un lado los bailarines y por el otro la temática, a partir de eso fueron apareciendo paisajes sonoros”. (…)

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"El desafío era tratar de unir puntas para construir un ecosistema sustentable"

Expresó Carlos Mazalán, el 18 de septiembre en la Facultad.

(…) “Vengo del mundo corporativo de las grandes marcas y lo conocí a Marcelo (Rosa) porque dirige a mi hijo en Historia de amor bajo la lluvia, en un teatro de Almagro. Tenía ganas de hacer un musical. Algo nacional era muy difícil. El desafío en este proyecto era tratar de unir puntas para construir un ecosistema sustentable de teatro, artistas, espectadores. Queríamos hacer una obra y justo se estrenó Ghost en Broadway; es una película que vio todo el mundo, lo cual es interesante porque convoca a gente que no es del musical” (…)

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"El teatro es un espejo"

Aseguró Antonio Grimau, el 9 de septiembre en la Facultad.

(…) “Mi primer paso por el escenario fue intuitivo, luego sentí que necesitaba un profesor. El primero fue Gené, después siguieron Fernández y Alezzo. Mi llegada al teatro fue casualidad, no venía de una familia con raíz artística. Escuchaba radioteatro y eso me encandilaba, y un día encontré un aviso que buscaban actores, me presenté y quedé” (…)

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"La obra habla de los prejuicios de la mirada del afuera"

Contó la actriz y protagonista de Sexo con extraños Guillermina Valdez, el 10 de Junio de 2015 en la Facultad.

(…) Uno de los temas de los que habló Gastón Soffritti fue cómo hizo para articular los roles de actor y de productor: “con dos palabras: espacio y tiempo. Espacio para que suceda y tiempo para que se desarrolle. Yo cerraba acuerdos y Diego Corán Oria se juntaba con el equipo creativo (vestuario y escenografía) y luego, en los ensayos encararlos con toda letra aprendida y poniéndole mucha fuerza a los personajes.” (...) 

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"Teatro abierto nació en plena dictadura en los años 80"

Expresó el dramaturgo Roberto “Tito” Cossa el 5 de Junio de 2015 en la Facultad.

(…) “Solíamos juntarnos en el bar de Argentores y un día comenzamos a hablar de hacer obras breves. La idea era hacer 3 obras por día, de modo que fueran 21 obras por semana. Se consiguió el Teatro El Picadero que tenía 300 localidades. Y así se armó, eramos 21 autores que íbamos a hacer 21 obras en una sala que nos era afín, a las 18 hs de modo que los actores que tenían que hacer funciones más tarde pudieran hacerlo también. Y así se consiguieron los 21 directores que dirigieran las 21 obras y 100 actores para que actuaran. Y resultó que Teatro Abierto tuvo una adhesión que no esperábamos. Ya, en la primera semana de ensayos generales, trabajábamos con sala llena y con público que se quedaba afuera.” (…)

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"Yo creo en el adentro hacia afuera"

Afirmó la actriz, directora y docente Virginia Lago el 22 de Mayo de 2015 en la Facultad.

(…) “El teatro es divertido, es entender la condición humana, no juzgar. Tuve que estudiar muchas cosas para moverme en el escenario, para llegar a la fila 20, también estudié canto. Ahora los jóvenes estudian de todo. Donde yo me miraba, cuando empecé, era  en actores como Tita Merello, Francisco Petrone y Mecha Ortiz que hacían teatro de repertorio. Terminaban de hacer la función de una obra y ensayaban otra y yo me preguntaba cómo hacían para recordar todos esos textos y descubrí que había un apuntador. Yo creo que además de estudiar a Peter Brook y estar actualizados también hay que remontarse a las raíces. Estos actores tenían una práctica muy fuerte en el escenario. ‘Gastá un par de zapatos en escena y así vas a ser actriz’, te decían.” (...)

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"La magia sucede en el teatro cuando el actor puede transferir"

Señaló el dramaturgo, investigador y director teatral Omar Pacheco el 15 de Mayo de 2015 en la Facultad.

(…) “Lo importante es que el actor pueda en la formación actuar el impulso genuino para acercarlo a la creación esencial, que destruya el personaje que armó en su vida social para poder relacionarse, que le es impuesto por la sociedad, para saltar al vacío, para transitar un sendero paralelo a lo socialmente aceptado. Que pueda entrar en lo ceremonial, sumergirse en un cambio profundo que le permita encontrarse con él y así poder tener otra forma de narrar. El Teatro inestablees otra forma de vida”. (…)

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"Toc Toc fue una hermosa casualidad"

Dijo el productor Bruno Pedemonti el 8 de Mayo de 2015 en la Facultad.

(…) “TOC TOC fue casi una hermosa casualidad. Un teatro que necesitaba programación, varios actores que no querían hacer la obra, un actor que se bajó del proyecto a horas de empezar a ensayarse, no hubo ni una planimetría de producción, se armó así, medio con alfileres y tal vez sea ese el verdadero secreto del éxito, ya que fue lo que quiso ser. Como productor, estoy absolutamente convencido de que aún las bases más sólidas que podamos tener entre manos, no son garantía de nada para el éxito o el fracaso. Pueden dictar una tendencia, sin dudas, pero no aseguran nada.” (…)

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"Mi método se parece a la construcción arquitectónica"

Afirmó el escenógrafo Marcelo Valiente el 27 de abril de 2015 en la Facultad.

(…) “Los escenógrafos no tenemos una metodología uniforme para imaginar, todavía nos manejamos como los artistas plásticos, con la inspiración, y eso no es bueno porque estamos atados a parámetros que vienen de afuera. Es muy importante, a la hora de encarar un proyecto conocer al equipo y saber el presupuesto con el que se va a contar. Nuestro trabajo es vislumbrar dificultades y poder volver reales nuestros proyectos”. (...)

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"El clown es un personaje enhebrado en uno mismo"

Expresó el actor, director y docente teatral Marcelo Katz el 17 de abril de 2015 en la Facultad.

(…) “Uno no tiene que llenar todo, tiene que estar abierto a las sensaciones. Si estoy trabajando en una mala idea, la tengo que soltar. Hay que arriesgarse al vacío. El entrenamiento de clown ayuda a soltar la cabeza y estar presente. Es un trabajo sobre la espontaneidad por sobre la creatividad y requiere amigarse con lo que hay y lo que uno es” (…)

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Creando personajes. El diseño de vestuario

Sofía Di Nunzio en la Facultad durante diciembre de 2014

El pasado 12 de noviembre formó parte de Escena Creativa 20 la diseñadora de arte y vestuario Sofía Di Nunzio.  Durante su seminario, se trataron  temas como: ¿Cuáles son los caminos para que un vestuario tome forma? ¿Cómo se aborda el estudio de la obra, el trabajo con el director, el proceso de documentación, de dibujo y de producción? ¿Cómo es vestir a los personajes principales y al coro? ¿Cómo funciona un personaje individualmente y en el colectivo? ¿Cómo se piensan los cambios de vestuario? ¿Cómo es el trabajo en equipo: el intercambio fundamental con escenógrafo, iluminador y coreógrafo?, entre otros.  

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“Todo se puede cuando queremos hacer teatro”

Afirmó el productor Jonathan Zak el 24 de octubre de 2014 en la Facultad

(…) Natalia Mesía, responsable de la comunicación en Timbre 4, afirmó: “La estrategia de comunicación se decide por proyecto porque cada uno de los espectáculos que manejamos tiene una capacidad de retorno diferente, por ejemplo, Tercer cuerpo está en la sala de 50 butacas, eso marca una estrategia, en cambio Coleman, que está en el Paseo La Plaza nos permite jugar con otras posibilidades que no habíamos experimentado antes. La clave en los espectáculos es el boca a boca, lo demás refuerza. Hemos hecho investigaciones sobre el público que asiste a nuestros espectáculos y el 60% manifiesta que llega por recomendación, las redes funcionan dentro de esta lógica. Lo más importante es encontrar mecanismos para que la sala esté llena. Coleman hasta 2012, trabajaba a sala llena y comenzó a bajar, entonces una de las alternativas que encontramos fue cambiar de circuito y así la pasamos al Paseo La Plaza y le va muy bien”. (…)

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“Shakespeare creía que el sentimiento sucede al momento de decir el texto”


Explicó el director James Murray el 10 de octubre de 2014 en la Facultad

(…)“Cuando Shakespeare escribía, iba a ver a uno de los empresarios, que podía ser Burbage o Henslowe a quienes les leía el texto y estos se lo compraban y lo guardaban y entonces contrataban a un escriba para que hiciera todas las partes para los actores. En estas partes, figuraba el texto que cada uno tenía que decir con el respectivo pie. La función era a las 14 hs, entonces los actores se juntaban al amanecer de ese día y decidían los momentos de lucha y las acciones que iban a acompañar al texto, luego iban al teatro y arreglaban la utilería y las entradas y salidas. En el platt (the plot) se describe la escena, las entradas y las salidas con los nombres de los actores. Aparece también una codificación que aclara el lugar que ocupaba cada uno de los actores en la compañía. Si aparecía con la abreviatura Mr., sabemos que ese actor era accionista, si aparecía la inicial del nombre y el apellido sabemos que era un contratado y si aparecía con el sobrenombre sabemos que era un aprendiz”. (…)

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"En el teatro todos los actores nos sentimos mejor"


Dijo el actor y director Arturo Puig, el 3 de octubre de 2014 en la Facultad

(…)“El teatro es el lugar donde todos los actores nos sentimos mejor, por el público. Es el único arte que muestra al ser humano de cuerpo entero. Eso hace que uno se vea a sí mismo y muchas veces sucede que uno puede ver una idea, un pensamiento que puede llevarse a su vida. En cambio en la televisión, es más importante el equipo. Los directores y los cámaras hacen que uno trabaje diferente. Cuando empecé, la tele era en blanco y negro, e incluso tuve que grabar programas en vivo. Tampoco había equipos para compaginar y se grababa en bloques, era un trabajo muy exigente porque si uno se equivocaba había que grabar todo el bloque nuevamente. En esa época se ensayaba, los directores venían del teatro y tenían mucho conocimiento de actuación y marcaban muy bien. Hoy en día hay que tener mucha concentración porque todo es más fragmentado, no se ensaya y es muy rápido”. (…)

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"La danza es un lenguaje más dentro del espectáculo"

Expresó Teresa Dugga el 24 de septiembre de 2014 en la Facultad

(…) “La danza se había llevado más a lo circense, a la habilidad, a lo ya hecho y desde el posmodernismo se comenzó a trabajar más con lo que uno es y a romper con la uniformidad. Cuando la danza cambia de lo muscular a lo óseo, es decir que el movimiento se genera a partir de la columna, cambió la noción de movimiento. La danza ya no es una serie de pasos que se pegan uno atrás del otro sino que es un fluir, está en la transición entre uno y otro”, explicó. (…)

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"Los iluminadores organizamos la mirada en el teatro"

Afirmó David Seldes, diseñador de iluminación, el 19 de septiembre de 2014 en la Facultad

(…) Partiendo de las preguntas que originan un diseño de luces, David Seldes hizo un recorrido introductorio por cada una de las etapas de este proceso creativo que tiene como fin materializar la luz de la escena. La "creación" de una puesta de luces tiene varias instancias. En cada una de ellas hay emociones e ideas que emergen y se vuelven “intenciones”. Las mismas se nutren y modifican a partir de lo observado en los ensayos y en los encuentros con el equipo creativo (director, escenógrafo, vestuarista, músico, etc.). A partir de esta dialéctica el iluminador elaborará los aspectos formales y narrativos-emotivos que constituirán su diseño de luces. (…)

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"En el teatro todos los actores nos sentimos mejor"

Dijo el actor y director Julio Chávez el 12 de septiembre de 2014 en la Facultad

(…) “El trabajo es tan infinito y variado, soy un actor que no sólo me gusta actuar sino que me gusta el problema de la actuación, el problema del actor, no en términos gremiales, sino ¿qué es ser actor? Y esta pregunta se puede resolver en distintos espacios: el oficio, la indagación, el estudio y la vida. Ya no puedo, ni quiero dividir. Mi mirada al mundo está siempre cargada, fortalecida y condicionada por mi mirada como actor. No hay nada que mire que no vaya a parar a mi Google personal. Soy un actor que se preocupa por actuar, resolver los problemas que tengo en mi trabajo, y me preocupa también la cocina del actor. Me interesa probar cosas, tengo la dicha y la suerte de poder elegir de qué me alimento. Voy a aquellos lugares donde para mí hay diálisis para mi alma y mi instrumento”. (…)

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El teatro es un hecho colectivo

Expresó Alicia Leloutre El 6 de junio de 2014 en la Facultad

La artista plástica, arquitecta y escenógrafa comenzó mostrando imágenes de diferentes espacios creados a partir de paisajes, de luz, de alturas y de formas. "Vivimos en el espacio y todos estos espacios podrían ser una escenografía, el teatro tiene otra variante: hay dos presencias que son el actor y el espectador, es un hecho colectivo y se tiene que producir una comunicación entre ambos. El público tiene que 'entrar' en el espacio y lo que el escenógrafo tiene que hacer es organizar esa relación, aunque no haya nada en el escenario, tiene que organizar al público, dónde se ubica, a qué altura, a qué distancia", explicó.

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"Escribir una obra es crear un mundo"

Dijo el dramaturgo Eduardo Rovner el 28 de mayo de 2014 en la Facultad

(.) En referencia a la creatividad, Rovner dijo: "Luego de haber escrito 45 obras, estoy buscando estímulos diferentes para poder escribir y no aburrirme, he incursionado en el ballet, los títeres, la ópera". A lo cual agregó Calmet: "Hice la escenografía de obras de Rovner que son más de cine que de teatro porque hay un planteo de trabajar sobre muchos espacios", y completó Eduardo: "Es fundamental para un autor sentirse libre a la hora de crear, y que luego el problema del espacio lo resuelva la dirección y el escenógrafo". (.)

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"Para mí la actuación tiene que ver con el "estar" y la expresión tiene que ver con la percepción"

Dijo Martín Slipak el 14 de mayo de 2014 en la Facultad

El actor dramaturgo y director comenzó diciendo que la actuación va cambiando con los paradigmas sociales. Por ejemplo, en el año 2000 se pasó de la idea de "actuar", de construir un personaje en términos de ficción, a la idea de "estar" en el escenario. "En la actualidad hay muchos registros de actuación y diferentes formatos, en el teatro hay una tendencia a poner la pregunta en el público, en jugar con el conflicto en relación al público", expresó. (.)

Ver nota en periódico DC de septiembre 2014 (Pág. 6y 7)
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“Encarnar un personaje como Judy es un regalo para una actriz”

Expresó Karina K. en la Facultad el 25 de abril de 2014

(.) "Judy tenía una apertura de ojos, una mirada periférica de 180 grados, que le permitía abarcar al público y más allá, su voz también trascendía el sonido de la época que era más nasal y ella comenzó a cantar más de pecho, con una voz natural. Yo no tenía estas cuestiones y tuve que cambiar mi máscara, tuve que prepararme, que entregarme para hacerlo. Encarnar un personaje como Judy es un regalo para una actriz, ella me enseñó a mirar de otra manera, a asentar los graves para encontrar, en castellano, el sonido y el estilo del jazz", expresó la actriz y cantante.

(.) "Karina trabajó las versiones de las canciones en castellano para poder tener un vehículo de comunicación fluido y directo. La versión en otro idioma de una canción es de importancia capital porque vehiculiza la emocionalidad en tiempo real, y si no se entiende la letra no se puede volver atrás y la gente se desconecta" (.), acotó Favero.

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"Apelamos a correr los límites del espectador"

Dijo Leo Kreimer el 9 de abril de 2014 en la Facultad

El actor, director y escritor propuso a los asistentes un acercamiento a su proceso creativo, tanto desde el punto de vista de lo estético como del complejo diseño de producción de este tipo de espectáculos de gran envergadura, ya que se trabaja con múltiples espacios, se incorporan elementos de diversos universos artísticos, se mezclan estéticas, géneros, entrecruzando el impacto del teatro aéreo con lo dramático e incorporando la dinámica que introduce la participación del público. Leo dijo que su nueva obra, Mash Up, mezcla uno, es un espectáculo muy complejo ya que tiene muchas áreas conviviendo al mismo tiempo: banda en vivo, coreografía, actuación y aéreo, y por consiguiente necesita un equipo de actores performers que reúnan estas condiciones. Presentó a su asistente de dirección Débora Zanolli y a Martín Ponczyk, quienes lo acompañaron en la charla.

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La actuación como profesión

Juan Minujin en la Facultad, el 8 de noviembre de 2013

El fenómeno de la actuación aparece muchas veces como un proceso que tiene algo de mágico. Hay algunos actores que tienen la capacidad de transformarse en diversos personajes y los vemos mutar de uno a otro a lo largo de sus carreras con una heterogeneidad y una verosimilitud que asombra. ¿Cómo juega la preparación, la formación y el entrenamiento a la hora de actuar? ¿Cómo es el trabajo en los distintos medios: teatral, cinematográfico y televisivo? ¿Cuáles son las estrategias para lograr una identidad como actor? Esta son algunas de las cuestiones que Juan Minujin,  se  propuso compartir con los asistentes, a partir de su trayectoria como actor, sin  perder el hilo de concebir al actor como un creador.

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Espectáculos en vivo para grandes audiencias

Nelly Skliar en la Facultad, el 25 de octubre de 2013

Los espectáculos en vivo para grandes audiencias presentan varias problemáticas a la hora de ser programados. La variedad de géneros: deportivos, ballet, musicales, teatrales, etc. demandan también una estrategia de programación que debe tener en cuenta estas variables. El Luna Park es un espacio que se adapta a distintos espectáculos pero todos ellos tienen un grado de masividad que los caracteriza. ¿Cuáles son los detalles que deben ser tenidos en cuenta a la hora de programar esta sala? ¿Cómo son las problemáticas de los distintos géneros? ¿Cuáles son los criterios por los que se programan ciertos espectáculos y no otros en ese espacio? ¿Cómo se evalúa la sustentabilidad de un proyecto para ser programado en el Luna Park? Estas son algunas de las cuestiones que se trabajaron en este encuentro con la Programadora del Luna Park.

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La producción en el circuito comercial

Javier Faroni en la Facultad, el 18 de octubre de 2013

¿Cómo se logra que un espectáculo sea sustentable y que produzca rentabilidad para aquellos que invierten en él? Esta es la pregunta disparadora de muchos que quieren dedicarse al mundo del espectáculo y vivir de él. En este seminario, Javier Faroni analizó, desde su experiencia de más de 23 años en Faroni Producciones, cuáles son las distintas instancias de planificación en el diseño de un proyecto espectacular. Durante su charla abordó desde el género que se trabaja, los artistas y el equipo creativo que se convoca hasta la forma en la que se va a hacer circular ese espectáculo tanto en la cartelera local, como en  el interior, las posibilidades de giras y las diferentes relaciones que se establecen entre las salas, los artistas y las estrategias de comunicación que se emplean.

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"Producción y Curaduría de salas "

Paula Travnik en la Facultad, el 11 de octubre de 2013

Gestionar un espacio teatral implica desarrollar distintas estrategias y habilidades para lograr una identidad como sala, a partir de hacer confluir diversos tipos de espectáculos con una circulación de artistas que representan distintas estéticas y al mismo tiempo conseguir que los proyectos se tornen sustentables para que la sala pueda subsistir. ¿Cómo se trabaja la identidad de un espacio  a partir de proyectos heterogéneos? y ¿cómo se logra la sustentabilidad de un proyecto de programación que apuesta a propuestas novedosas? fueron algunas de las cuestiones que trabajó Paula Travnik, desde su experiencia como curadora deElkafka Espacio Teatral, durante éste Escena Creativa 18.

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"Corporalidad y actuación en la puesta en escena"

Marcelo Savignone en la Facultad, el 2 de octubre de 2013

Hay propuestas escénicas que tienen en cuenta, no solamente al cuerpo y al actor, sino también una conceptualización y una imagen que van desde la recreación que se hacen de ciertos clásicos, hasta el diseño gráfico y la estrategia de comunicación. En este encuentro, el actor, director, dramaturgo y docente Marcelo Savignone, trabajó el proceso creativo de sus espectáculos, desde la idea inicial, el trabajo dramatúrgico, el rol del entrenamiento, el trabajo con los actores, la poética corporal, la interacción con el equipo creativo, focalizando en el trayecto de sus últimas “producciones belisarias”.

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“Las obras necesitan un tiempo para posicionarse”

Expresó Romina Paulael 27 de septiembre de 2013 en la Facultad

“De repente nos pasaba que venía gente que no conocíamos, apareció el público. Este fue un trabajo chico, hecho con amor, que lo hicimos durante dos años”, expresó Paula. Resaltó su interés en esta forma de producción del teatro independiente en donde se puede tomar su tiempo para estrenar pero también para hacer funciones, porque en la actualidad, muchas salas independientes sólo te dejan hacer temporadas de dos meses y muchas veces no resulta porque las obras necesitan un tiempo para posicionarse y hacer que el público venga y también para terminar de crecer ya que eso se logra a través de la repetición de funciones.

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"En esta profesión uno tiene que estar conectado todo el tiempo con el proyecto"

Dijo Matías Umpierrez el 13 de septiembre de 2013 en la Facultad

Su formación es en Publicidad en la Universidad de Palermo, y junto a Rubén Szuchmacher y Julio Chávez se formó como actor. "En esta profesión se trabaja el doble que en otras porque es full time, uno tiene que estar conectado todo el tiempo con el proyecto", dijo. Luego describió su primer trabajo como creador director en 2006 y realizó un recorrido por sus siguiente puestas, haciendo hincapié el los temas y la experimentaciones que luego se manifestarían en su proyecto Teatro Solo.

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Del entrenamiento del actor a la puesta en escena


Diego Starosta estuvo el Viernes 7 de junio en la Facultad

Hay directores que se permiten experimentar con los cuerpos de sus intérpretes para lograr acercamientos innovadores a textos clásicos. Esto requiere ahondar en distintas técnicas corporales y actorales, abordar un entrenamiento exigente, profundizar un espacio de experimentación en los ensayos y lograr un código común en el grupo de trabajo que luego pueda ser transmitido a la puesta en escena y de esta manera llegar al público. En este seminario, Diego Starosta se propuso trabajar su concepción sobre el entrenamiento del actor, su relación y diferencias con el trabajo para la puesta en escena de un modo general y su recorrido como creador en particular.

Ver nota completa en periódico DC de octubre (p. 11)
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La música en las artes escénicas

El músico Diego Vainer estuvo en la Facultad el 5 de junio

Mientras lo visual puede anularse con un simple cerrar los ojos, la percepción sonora siempre está presente y es imposible prescindir de ella. En este seminario, Diego Vainer se propone abordar la problemática artística de la creación musical en los distintos tipos de  propuestas escénicas  ya sea de danza o de teatro y las diferentes dinámicas que se producen de acuerdo a las obras o a los directores con los que  trabaja analizando situaciones contrastantes que van desde una propuesta clásica hasta una más experimental.

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"Como coreógrafo me gusta trabajar con el músico a la par"

Dijo Carlos Casella el 10 de mayo en la Facultad

Casella propuso a partir de su experiencia como intérprete, coreógrafo y director, realizar un recorrido por las distintas formas de trabajar una idea coreográfica partiendo de diferentes instancias. Comenzó preguntándose ¿Qué cabeza de coreógrafo tengo en relación al espectáculo?, y dijo: “Siempre me interesa que lo coreográfico esté inmerso en un sentido teatral”. (…)

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"Trato de establecer una relación personal con cada uno de los actores"


Dijo Luciano Cáceres el 3 de mayo en la Facultad

(.) "Como actor, necesito tener una relación fluida con el director. Siento que, si hablamos de teatro, él tiene que marcar un camino para que los actores podamos pisar con confianza y nos entreguemos más fácilmente. Yo soy un actor que necesita ser dirigido, sino no me siento bien. Un director con el que logré un buen vínculo es Daulte. Lo conozco como persona y me llevo bien, pero además confío en sus criterios y lo admiro como director. Él sabe guiar al actor, sin ser uno de esos directores puestistas que te sobre indican al decirte cómo poner la mano, cómo moverte." (.)

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“El video puede cumplir también una función narrativa, agregar datos de los personajes, de la historia”

Dijo Maxi Vecco el 25 de abril en la Facultad

(...) “El video puede cumplir también una función narrativa, agregar datos de los personajes, de la historia. Puede también mostrar un flash back del pasado o del futuro. Se complementa la escena entre el video y el escenario. En el video, pueden estar a escala real. Se puede dar un trabajo de complementación absoluta entre vestuario, iluminación, escenografía y video. También puede interactuar con personajes de la obra. No es cine, no es teatro, es muchas cosas. Incluso hay obras en las que el video no aporta nada narrativo, sino colores, al estilo de los recitales de rock, sentido mas musical, como en despertar de primavera.” (…)

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"Para esta profesión recomiendo buscar referentes y gente que te potencie"

Expresó Joaquín Furriel el 17 de abril en la Facultad

(.) "Hacer una tira diaria te pone en un plano muy expeditivo porque tenés que grabar 25 escenas por día, pero igual hay que preparar los personajes, darles textura, emociones, historia. No es lo mismo trabajar en la tele que en el teatro, hay que hacerse cargo del lugar en el que uno trabaja y adaptar las formas al medio". Ante la pregunta de un asistente sobre qué le parece imprescindible para conseguir un trabajo como actor contestó: "Lo mejor es formar un grupo para trabajar, ir construyendo, buscando referentes y gente que te potencie". (.)

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El Director del Teatro Nacional Cervantes, Rubens Correa presente en la Facultad el 9 de noviembre de 2012

Desde su vasta trayectoria en el teatro independiente y como director actual del Teatro Nacional Cervantes, Rubens Correa, se propuso en este seminario realizar un acercamiento a los criterios que entran en juego a la hora de armar la programación de un teatro público.

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Ricardo Szwarcer, Director de la Usina del Arte, estuvo en la Facultad el 2 de noviembre de 2012

Un espacio nuevo tiene la ventaja de poder crear su perfil desde lo fundacional. Autodenominarse como Usina del Arte implica una mirada de creación permanente en donde lo multidisciplinar está presente y es determinante. ¿Cómo se cura un espacio de estas características? ¿Cómo se lo posiciona y se lo acerca al público? ¿Cómo se democratizan los textos y se programa un espacio para la experimentación y la innovación que sea incluyente y no expulsivo de sectores de la sociedad que pueden llegar a ver los lenguajes artísticos como algo ajeno? Desde su amplia experiencia en el país y en el exterior, Ricardo Szwarcer, se propuso en este seminario hacer un acercamiento a algunas de estas cuestiones.

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“En teatro hay que mantener el misterio, no resolverlo”

Dijo Javier Daulte, dramaturgo y director en la Facultad el pasado 31 de octubre 2012

(…) El estilo es lo inevitable. Creo que en el teatro hay que luchar contra la solemnidad y la frivolidad. Me divierte que en el escenario haya espectáculo, no voy al teatro a hacerme más culto”, dijo y agregó: “Hacer teatro es crear una ilusión. Me gusta que me engañen y poder engañar. Mi trabajo es crear un atractivo en el escenario y que se conjugue con el texto” (…)

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“Un sello discográfico te posiciona ante la mirada de los demás”

Dijo la música y docente de canto Paloma del Cerro en la Facultad el 19 de octubre 2012

(.) "Utilizo mi background cinematográfico para producir lo autóctono y llevar la copla a la ciudad. Creo que cada vez más las áreas del diseño tienden a mezclarse". (.) "En la actualidad es posible ser artista y vivir de eso, vender diseño y armar proyectos interactivos sin depender de una galería asociándote con gente" (.) expresó Paloma. (.) "Hoy es posible ser artista y vivir de eso sin depender de una galería asociándote con gente, vender diseño y armar proyectos interactivos entre diferentes" (.), dijo Paula Duró cuando llegó su turno en el segundo Workshops de Música y espectáculo del 23 de octubre.

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"Nunca sabés dónde hay alguien que te puede ver"

Dijo el actor y cantante Omar Calicchio en la facultad el 17 octubre 2012

Los actores y cantantes Alejandro Paker y Omar Calicchio estuvieron presentes en la Facultad el 17 y 24 de octubre de 2012. (…) “En mi caso no tuve una estrategia para llevar adelante mi carrera. Siempre fui inquieto y curioso en mi profesión y tuve fe en la actuación. Creo que es un acto de amor hacia los demás, no es sólo ego, eso también lo tengo” (…), declaró Paker.

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“Uno tiene que estar abierto a los accidentes para poder asimilarlos”

Dijo el actor y director Claudio Tolcachir en la Facultad el 14 de septiembre 2012.

(…) "Yo quería actuar y dirigir, nunca lo había hecho y mis amigos me apoyaron. Luego descubrimos que también nos interesaba la producción. Una de las preguntas que nos hacíamos era: ¿Cómo hacer para que la gente te conozca? Dedicábamos mucho tiempo en ir a buscar y generar obras donde cada uno tuviera un lugar que le interesara, ya que no lo hacíamos por dinero”. (…)

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"La obra está escrita en el cuerpo de los actores"

Expresó Marcelo Mininno en la Facultad el 1 de junio de 2012

“Yo entiendo desde el cuerpo del actor. Llego a la dirección a partir de trabajar con los actores”. Una de las elecciones vitales y más difíciles en la forma en la cual entiende el proceso creativo es la elección de los actores con los cuales va a trabajar, por ejemplo “en Lote 77, yo no parto de un texto, convoco a 3 actores, busco en los actores su lugar más individual”

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"Al principio, lo audiovisual en el teatro jugaba un rol escenográfico"


Expresó Martín Gómez en la Facultad el 30 de mayo de 2012

(…) Comenzó definiendo las especificidades del teatro y de lo audiovisual. En cuanto al teatro lo definió a partir del espacio, el actor y el espectador y esta relación se remonta a los comienzos, además de ser único e irrepetible, “hay una frase muy interesante que a mí me gusta mucho que es que el actor se está muriendo minuto a minuto en el escenario porque el teatro es en presente, en tiempo real”. (…)

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"El casting de bailarines fue hecho a través de Facebook y se contrató a toda gente nueva que salió de las audiciones"

Contó la bailarina y coreógrafa Mora Godoy en la Facultad el 16 de mayo de 2012

(…) “Lo primero que se necesita es una idea, en este caso era hacer un nuevo musical de tango. Luego lo que hay que ver es si una hace realidad esa idea o no. Chantecler fue una locura: tocamos todas las puertas y se nos cerraron. Entonces yo me quedé sola en mi casa pensando si lo hacía o no. Una vez que decidimos hacerlo, hicimos una carpeta de presentación y conseguimos el Teatro Alvear y el apoyo de Radio Mitre para difundirlo. También conseguimos canjes”.(…)

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"Hombre vertiente"

Pichón Baldinu y Gabriella Baldini en la Facultad el 9 de mayo de 2012

La idea de un espectador seguro sentado en su butaca ha sido cuestionada y problematizada ya desde el siglo pasado. El director Pichón Baldinu y la productora Gabriella Baldini brindaron un semanario para trabajar dentro de esta línea de trabajo, en la construcción del espectáculo Hombre Vertiente, de su nueva compañía Ojala. Así se analizaron los aspectos artísticos y la epopeya de producción general y técnica, que involucra gran parte de esta aventura.

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"El teatro es una actividad grupal, se hace en equipo, todavía es una actividad artesanal"

Expresó Alejandro Tantanian en la Facultad el 27 de abril de 2012

Bajo la temática ‘Usina de creación’, Alejandro Tantanian comenzó hablando del espacio Panorama Sur que junto a su equipo de trabajo conformó en Latinoamérica y que fue producto de un doble déficit en la escena de Buenos Aires. (…) “A mí me interesa la gestión para unir a los artistas, hacer cruces. El teatro es una actividad grupal, se hace en equipo, todavía es una actividad artesanal, donde las personas se tienen que encontrar”. (…)

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"La puesta en escena es el objeto, dirigir es el acto"

Expresó Luis Cano en la Facultad el 20 de abril de 2012

Dando inicio al segundo seminario sobre Las nuevas generaciones de directores, el docente, director y dramaturgo Luis Cano brindó una charla sobre ‘El rol de la dirección’. (…) “A veces cuando nos referimos al teatro estamos pensando sólo en la escena, en ese espacio de representación con codificaciones especiales y no en el hecho escénico que implicaría una conexión con el espectador”. (…)

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"Se trabaja en creaciones colectivas que parten de la nada para hacer todo"


Expresó Serge Nicolaï en la Facultad el 13 de abril de 2012

(…)El Thëâtre du Soleil cuenta con un taller de escenografía que está a disposición para ir creando los espacios. Trabajan juntando elementos en la calle que la gente descarta y los reciclan y los resignifican para los proyectos. "Tomamos un tiempo del ensayo para construir, se construye con lo que se encuentra, yo no tiro nada, lo interesante es tener un material que tenga historia." (…)

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"En los ensayos busco que no se interponga de antemano lo intelectual sino que haya un proceso lúdico"


Expresó Guillermo Cacace en la Facultad el 2 y 9 de noviembre de 2011

(…)“El teatro como acontecimiento puede divorciarse de la literatura dramática. Pese a esto, yo trabajo mucho con textos clásicos, me parece que es interesante el ejercicio de crear desde un texto y sentir una relación de libertad con lo que fue mi disparador, poder tener una fidelidad irresponsable, una fidelidad con lo que me pasa a mí con ese disparador y luego con el grupo humano con el que lo voy a montar” (…)

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"Cada proyecto es único e irrepetible"


Expresó Sebastián Blutrach en la Facultad el 19 de octubre de 2011

(…) “Nuestra tarea es encontrarle el mejor equipo creativo, el Teatro adecuado, la comunicación indicada y contextualizarlo en tamaño y dimensión. Pensar que se pueden repetir fórmulas es un error grosero. Desde ahí parten los cimientos para tener ‘éxito’ en cada producción. Desde esta óptica, el gran desafío es encontrarle a cada producción el recorrido adecuado”. (…)

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Dirección de actores.


Ciro Zorzoli en la Facultad el 28 de octubre de 2011

Cuando se trata de llevar adelante un proyecto teatral, hay muchas maneras de encararlo pero uno de los desafíos más importantes es lograr que la actuación sea acorde a la propuesta de puesta y si es posible que se destaque ¿Desde qué lugares un director focaliza su mirada en la forma de actuar de los actores? ¿Cómo los orienta y cómo arma un proyecto teniendo en cuenta las posibilidades, talentos, creatividades, “egos”, heterogeneidad de técnicas, deseos, “humanidades” y demás atributos que  forman la personalidad de los actores, para que se integren en un proyecto? Desde su experiencia en la dirección de actores y teniendo en cuenta una de sus últimas obras, Estado de ira, donde se reflexionaba meta textualmente sobre el trabajo del actor, Ciro Zorzoli se propuso en este seminario, abordar algunas de estas cuestiones que hacen a la relación del actor y el director.

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"Es necesario contextualizar los clásicos y quitarles el bronce para introducir una mirada contemporánea"


Expresó Willy Landin en la Facultad el 14 de octubre de 2011

(…)En el texto de Molière, Landin se basó en la idea de que Jourdain era un pretencioso que quería aparentar y en ese momento eso tenía que ver con la imagen, con el ser retratado: “Es por esto que introduje la escena del pintor que además me permitió otorgarle a Pinti y a Lucrecia Capello, la posibilidad divertirse y de explorar la farsa”. (…)

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"Me resulta muy enriquecedor poder vivir las experiencias del off y de la calle Corrientes"


Expresó Roberto Bisogno en la Facultad el 26 de octubre de 2011

(…) El último seminario Producción y salas teatrales estuvo a cargo de Roberto Bisogno, quien se presentó como alguien fascinado por la militancia en la gestión de teatros. Hizo un recorrido por sus inicios en la actividad cuando ya a los 15 años producía a grupos musicales como Sui Generis, Vox Dei y Arco Iris y los llevaba a tocar al Teatro Don Bosco de San Isidro. (…)

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"Un producto artístico se completa cuando sucede ante un público"


Expresó Ariel Stolier en La Facultad el 12 de octubre de 2011

(…) En este sentido el marketing se relaciona con otras disciplinas, como la sociología y la política ya que es imprescindible estudiar el entorno. “Cuando pensamos en el marketing teatral, el teatro está condicionado por su entorno, entonces es necesario conocer las variables del contexto, de las fuerzas políticas, ideológicas, económicas e históricas de una comunidad que influyen y determinan el producto teatral para poder tomar decisiones de producción”. (…)

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"La producción es la etapa más compleja de todas y culmina en el estreno, cuando se materializa el proyecto"


Expresó Gustavo Schraier en la Facultad el 5 de octubre de 2011

(…) Desglosó la fase de la pre- producción aclarando que es la instancia clave de cualquier producción ya que implica “pensar, proyectar, mirar a futuro y ver cómo el proyecto se va a llevar a cabo”, también implica prever, anticiparse y prevenir: proponer posibles soluciones a los problemas que se puedan plantear. En esta fase también es donde se pregunta cuánto cuesta un proyecto, se ve con cuánto se cuenta y también cuánto hay que conseguir, es el momento de diseñar la producción.(…)

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"Queríamos proponer un teatro que fuera una experiencia y no un espectáculo"



Expresó Lola Arias en la Facultad el 16 de septiembre de 2011

(…) “Las intervenciones intentaban producir una suerte de relato de la ciudad. Estos tenían que ver con las experiencias de personas en distintos ámbitos, que no siempre estaban a la vista para uno. Por ejemplo, la fábrica es un universo con el que uno no interactúa a menos que forme parte de la maquinaria”, dijo y agregó “Queríamos proponer un teatro que fuera una experiencia y no un espectáculo. Además, queríamos que el festival fuera portátil. (…)

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"Los egos son como una cortina de hierro para la sensibilidad"


Expresó Federico Olivera en la Facultad el 8 de junio de 2011

(…) El director habló del proyecto en el que está trabajando y que aún no fue estrenado. Hizo hincapié en la importancia de incorporar el espacio a donde va a ser representada la obra a cualquier idea de puesta. Luego habló sobre el trabajo con los actores “las obras de teatro no son el texto, los actores nos agarramos al texto por ansiedad. (…)

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"Como la máscara anula la expresión facial, hay que poner la expresión en el cuerpo"



Expresó Claudio Gallardou en la Facultad el 18 de mayo de 2011

(…) Recalcó la importancia del contexto socio político y cómo este siempre influye en el surgimiento de un género. “En el año 1000, el milenio, como no se acabó el mundo la gente salió a la calle a burlarse de la muerte haciendo procesiones donde se la burlaba, el carnaval tiene que ver con esto”. Trabajó minuciosamente, ejemplificando con textos, fuentes y máscaras, los elementos que configuran al género y se podrían resumir en los siguientes: el carnaval, los dialectos, los zanis, los enamorados, la mujer, y el rescate y resignificación de elementos griegos y romanos. El otro tema importante es la improvisación. (…)

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"En el teatro para chicos hay un concepto claro, un mensaje preciso, un cuidado en el lenguaje"




Expresó Héctor Presa junto a Mecha Fernández en la Facultad el 11 de mayo de 2011

(…) Mecha Fernández se refirió a su trabajo como coreógrafa: “Tenemos una estética en común, un lenguaje en común. Es importante que la coreografía acompañe la idea general, poder entender la línea que marca el director en esa escena para poder continuarla en la coreografía”. Respecto a las canciones, Héctor Presa dijo: “Es muy difícil que un niño entienda una canción la primera vez que la escucha, entonces hay que tener en cuenta cómo ofrecemos el marco referencial de dicha canción para que sea comprendida. Hay una tendencia a colocar cosas en el escenario porque me gusta, si yo pongo estímulos a los chicos, me tengo que hacer cargo porque tienen un nivel de atención diferente”. (…)

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"Nos proponemos que la gente no ponga la cabeza, sino que se deje llevar"




Dijo Valeria Ambrosio junto a Elizabeth de Chapeaurouge y Gaby Goldman en la Facultad el 6 y 13 de abril de 2011

(…) “Tenemos mucho para aprender de la técnica de los espectáculos que vienen de afuera. Ellos tuvieron un workshop y una prueba de cómo reacciona el público a determinado espectáculo. Acá llevar a cabo ese proceso es más difícil porque no alcanza el presupuesto. Hoy en día hay una generación que consume comedia musical porque en un momento fue a ver Drácula, de Pepito Cibrián. El público siempre tiene la última palabra. Hay veces que elige productos que no son buenos, es un misterio que no se puede anticipar. (…)

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"El trabajo del director es absorbente: hay que ponerse el overol y trabajar en serio"




Expresó Patricio Contreras en la facultad el 5 de noviembre de 2010

(…)El teatro es liberador por ese aspecto, permite explorar las fantasías”. En su experiencia personal, la actuación le permitió esas libertades, pero también una gran serie de desafíos: “Los grandes éxitos pueden convertirse en una jaula de oro, sobre todo si se prolongan varios años, ya que la rutina tiende al hartazgo. Ahí está el desafío del actor: tratar de hacer en cada función algo nuevo”. (…)

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"El pasado es un animal grotesco porque cada vez que uno lo recuerda, cambia de forma"




Expresó Mariano Pensotti en la facultad el 29 de octubre de 2010

(…)Habló de su siguiente obra, Interiores: “Fue pensada más como una colección de cuentos o una novela con personajes y capítulos diferenciados. Se llevó a cabo en diferentes departamentos de un edificio. El espectador podía moverse por cualquier lugar, e incluso tocar cosas. Para eso tuvimos que pensar una escenografía integral y absoluta. Eso también nos llevó a hacer investigaciones respecto a la actuación. Construimos secuencias de situaciones que se pudieran repetir. De esta forma, el espectador podía entrar y salir en cualquier momento. El espectador tenía que descubrir e interpretar a partir de un recorte pequeño, un universo más complejo”. (…)

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"Hacer ópera es un trabajo sucio"

Expresó Marcelo Lombardero en la Facultad el 18 y 25 de octubre de 2010

(…)"El director de escena es una persona que tiene que solucionar problemas. No es lo mismo una obra de cámara que una de gran orquesta, ni tampoco trabajar con o sin coro, con muchos personajes o con pocos. Todos esos elementos hay que tenerlos en cuenta para crear el espacio. Se trata de condicionamientos fundamentales para el escenógrafo, que no los debe perder de vista, porque algún descuido puede significar el fracaso de la obra." (…)

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"Si uno quiere escribir una idea, ilustra. Procesando imágenes propias, en cambio, crea"




Explicó Mauricio Kartun en la Facultad el 22 de octubre de 2010

(…) “Para escribir una obra, lo primero que necesito es un conflicto claro. Mal que nos pese, la narración sigue siendo aristotélica. Una acción única, tensa y contada por la menor cantidad de personajes. Toda obra es un equilibrio, donde se produce un desequilibrio para encontrar un equilibrio nuevo”, dijo y aclaró: “También necesito una conexión poderosa con el tema, algo que forme parte de un universo personal, porque sino se me ocurren ideas en vez de imágenes. Si uno quiere escribir una idea, ilustra. Procesando imágenes propias, en cambio, crea. (…)

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"Investigamos con materiales de la náutica y de la aviación para hacer nuestras realizaciones"

Dijo Alejandro García junto a  Fernando Moya en la Facultad el 8 de octubre de 2010

(…) Frente al tipo de público que asiste a ver Fuerzabruta, Moya especificó que hay un multitarget. “Tenemos una mirada joven, y es difícil porque no es fácil llevar a los jóvenes al teatro, lo viernes vienen los jóvenes a bailar, los domingos es un día familiar y los martes, miércoles y jueves viene un público de teatro, es decir que es una concepción muy amplia. Por otra parte el concepto teatral que genera FB es el del teatro callejero: la escena en el medio y el público parado y alrededor” dijo Moya. Hablando sobre la estética, Alejandro García apuntó: “Buscamos una estética que sea sucia, no bonita”. (…)

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Teatro, mito, historia y experimentación.

Eva Halac y  Micaela Sleigh en la Facultad el 17 y 24 de septiembre de 2010

(…) El objetivo de este seminario es reflexionar sobre la especificidad del trabajo que requiere el intertexto histórico – mítico en el teatro, no solamente desde el trabajo con el texto sino con la multiplicidad de signos con los que se lleva adelante una puesta en escena, haciendo hincapié en la dirección de arte y en la experimentación como marco de una propuesta general.(…)

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"La actuación es una profesión que se evapora"

Expresó Muriel Santa Ana junto a Enrique Pinti en la Facultad el 11 de junio de 2009

(…) “La profesión del actor es tan difícil de definir porque uno tiene que ser tantas cosas... Yo tuve mucha suerte porque tuve una formación integral – técnica y por otro lado teníamos la obligación en el Teatro Independiente de hacer todo en el escenario porque teníamos funciones y ahí aprendías cómo comportarte y debías manejar un repertorio muy variado desde Molière a Laferrere”, expresó. Esta dinámica de realizar funciones con un público exigente que pagaba su entrada los ponía en contacto con los riesgos de la profesión y la presión de los críticos. (…)

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"La obra era circular, no podía haber ni un rincón, ni una arista en donde el actor se pudiese sostener"

Dijo el escenógrafo Alberto Negrin junto a Alejandra Ciurlanti en la Facultad el 9 de junio de 2009

(…)Para comenzar, Alejandra Ciurlantiespecificó algunas de las particularidades de la obra y la adaptación que realizaron de la misma: “Fue escrita en 1977 y se estrenó en París en 2004. Tiene una duración de 3 horas mientras que en esta versión dura 1 hora 4 minutos. (…) La decisión de Alberto Negrin fue crear un ambiente, crear un espacio donde no hubiese ningún objeto, nada que le diera escala al actor: “La obra era circular, no podía haber ni un rincón, ni una arista en donde el actor se pudiese sostener. (…)

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"Hasta que uno va adquiriendo personalidad, uno se va basando en lo que admira"


Expresó el músico Ángel Mahler junto a Federico Mizrahi en la Facultad el 7 y 14 de mayo de 2009

(…)Comenzó Mizrahi haciendo un racconto de su inserción como músico de espectáculos. “Soy músico y el destino me llevó al teatro” (…) Su forma de abordar el trabajo musical en los espectáculos es vincularse con lo que los actores están diciendo y a partir de eso componer. “El músico tiene que estar siempre en los ensayos para que haya ida y vuelta, la diferencia con el cine es que te dan la escena hecha y sobre eso trabajás pero en el teatro, la música incidental no tiene que parecer que está, es el texto el que te va llevando, la música es un apoyo”(…)

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"Lo importante es el ejercicio de tirar ideas hasta que, de repente, fluye"

Expresó Ana Frenkel junto a Daniel Cúparo en la Facultad el 23 de abril de 2010 sobre Creación grupal. Un acercamiento a “Corazón idiota”

(…)En el caso de “Corazón idiota”, Peterson y Siliani los convocaron porque deseaban hacer una obra que fuese musical y decidieron escribir una obra que fuera para ellas. En esta última obra, fueron tres directores que escribieron juntos y, si bien luego todos terminan decidiendo juntos, se ocupan en principio de distintos roles: Carlos Casella de la coreografía, Daniel Cúparo escribe y Ana Frenkel de la música: “Trabajamos en dirección rotativa, lo cual es un proceso caótico pero interesante. Con Dani y Casella fuimos convocados por las dos actrices que querían que hiciéramos un musical para que actuaran ellas. Les interesaba el trabajo que veníamos haciendo. Entonces decidimos hacer la obra para ellas. (…)

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"Creo que me hice un coreógrafo grupal porque me importa mucho lo que pasa en la sociedad"

Expresó Mauricio Wainrot junto a Gabriela Prado en la Facultad el 4 y 11 de noviembre de 2009

(…)En una primera instancia, Gabriela Prado planteó que en su mirada como bailarina, lo que la apasiona es el espacio y por consiguiente cada vez que va a llevar adelante un proyecto en un espacio no convencional, lo estudia para poder incorporarlo al diseño coreográfico. Ejemplificó esta idea a partir de su creación Llueve que dirigió junto a Eugenia Estévez en 2006.(…)

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"El actor es un especialista en relaciones humanas"

Expresó la actriz y directora Assumpta Serna junto a Scott Cleverdon en la Facultad el 26 de octubre de 2009

(…)Estamos obsesionados en ser buenos actores y es imposible porque depende de los gustos y lo que habría que ver es si funciona lo que hacemos. En el teatro hay que ocupar el espacio con la voz, en cambio en el cine sólo tienes que estar. En el teatro siempre tenemos que confiar en el otro, nunca podemos ver nuestro trabajo. En el teatro el que monta es el público pero en el cine hay montaje. La emoción es la cosa menos útil para el actor, no tiene ningún interés para el espectador. Los seres humanos siempre quieren estar bien. El conflicto es lo que estimula al espectador, lo que queremos y el obstáculo que nos lo impide. En cine y TV necesitamos siempre de un equipo, nuestra responsabilidad es de vender la verdad del cuadro". (…)

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"Creo que para escribir un guión es muy útil trabajar con otro, tener un alter ego"

Explicó Alejandro Maci junto a Ernesto Korovsky y Marta Betoldi en la Facultad el 2, 9 y 16 de octubre de 2009

(…)La idea de velocidad de la vida, de la información y del tren ya había sido desarrollada por la literatura y pasa al cine. Aparece luego la radio que “entra en las casas”. Contó acerca del nacimiento del radioteatro: “En una fábrica de habanos, como las mujeres faltaban mucho y había necesidad de retenerlas, se elaboró una estrategia por la cual alguien les contaba una historia mientras trabajaban y cortaban en la mejor parte”. Finalmente aparece la televisión luego de la segunda guerra mundial: “La forma en la que la gente atiende lo que pasa en la TV es diferente en cada país. En Europa no existe la idea de me tengo que ir a casa porque empieza la novela como sí sucede en Argentina, México y Brasil. Este fenómeno tiene que ver con la necesidad de estar conectado, es como la plaza, nuclea, lo que pasa en la TV se comenta al día siguiente. (…)

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"Hay una coreografía permanente entre lo que pasa en vivo y lo que pasa en la pantalla"

Expresó Federico León junto a  José María Paolantonio y Héctor Calmet en la Facultad el 30 de Septiembre y 7 de octubre de 2009

(…)Usamos el video de referencia para explicarles a los técnicos qué tenían que hacer. Lo que no fue fácil. Recién tres semanas antes del estreno se pudo ver cómo iba a ser la obra. Hay una cantidad de objetos que se asocian con cosas del vivo: Las líneas son muchas, tantas que probablemente algunas se le escapan al espectador. Hay un montón de trabajo que no se ve. Es importante que el espectador no se trabe la cabeza en un intento por comprender todo. Hay otra inteligencia que me interesa, que tiene que ver con lo intuitivo y emocional”. (…)

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"El pasaje de la danza al teatro fue lento y al azar"


Marilú Marini en la Facultad el 18 de septiembre de 2009

(…)El trabajo en el teatro implica mucha concentración y esfuerzo. Uno nunca está sólo sino en relación con los iluminadores, sonidistas, vestuaristas y otras personas que hacen al hecho teatral. Uno nunca llega a tener el instrumento dominado. Cada vez hay circunstancias distintas que modifican todo, nos ubican en una situación de no permanencia. Estamos siempre en la cuerda floja, ese es nuestro trabajo”. (…)

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"Cuando entrás en un sistema de acción tenés que tener un conocimiento muy grande de los sindicatos pertinentes"


Ricky Pashkus en la facultad el 10 y 17 de junio de 2009

(…)Reconoció al teatro de revista porteño como una comedia musical en donde hay un agregado de un cómico que hace humor político corrosivo. También analizó las diferencias entre café concert, music hall y stand up y marcó directores actuales del teatro alternativo que tienen un especial sentido musical como Alejandro Tantanián para concluir en realidad “no hay teatro no musical filosóficamente hablando”.  (…)

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"Yo no soy Jorgito, soy Jourdain"


Expresó Willy Landin en la Facultad el 8 y 15 de mayo de 2009

(…)Willy Landincomenzó analizando las particularidades del teatro de Molière y cómo trabajó, tanto en El burgués gentilhombre como en Las mujeres sabias, las adaptaciones de los textos: “La primera cuestión es lograr localizar las convenciones de época que son difíciles de traducir a la actualidad, como por ejemplo el anuncio de los personajes que están por entrar. Es necesario contextualizar los clásicos y quitarles el bronce para introducir una mirada contemporánea”. (…)

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"A veces el titiritero siente que el títere lo lleva"



Expresó Adelaida Mangani en la Facultad el 6 y 13 de mayo de 2009

(…) Adelaida Mangani planteó que lo esencial del arte de los títeres es transferir a un objeto todo lo que está sucediendo en el cuerpo del manipulador. Dijo que es una síntesis entre el cuerpo del intérprete y el objeto inanimado. Partió de la idea de títere como un objeto movido con una intención dramática para resaltar que el títere es el personaje pero destacó también la definición de Javier Villafañe quien instaló una estética especial “el títere nació el primer día que el hombre vio su sombra y se dio cuenta que su sombra era él y no era él”. La expresión titiritera es una síntesis y plantea de este modo un dilema que también tienen lo actores: el desdoblamiento. (…)

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"Los actores sacamos las cosas de la vida, entonces uno está influenciado por el contexto en el que nació y vive"


Expresó Jorge Marrale junto a Hugo Arana, Darío Grandinetti y Juan Leyrado en la Facultad el 22 de abril de 2009

 (…) “La charla se inició con sus reflexiones respecto de la enseñanza y el estudio de la actuación. “Los actores sacamos las cosas de la vida, entonces uno está influenciado por el contexto en el que nació y vive”, dijo Marrale y luego contó la experiencia en el 2002 en el Maipo: “Hay algo que planea sobre todos nosotros. La historia de nuestro teatro y nuestros actores también está ahí. Algo tenemos todos de nuestros llamados “padres”, los hayamos visto o no”. Posteriormente se refirió a la importancia de la técnica, a lo que Leyrado agregó: “Creo que las cosas que uno estudió siempre aparecen. Recuerdo, más que nunca, a medida que pasa el tiempo, a los profesores con los que trabajé. Son muy importantes, aunque también influyeron otras cosas, experiencias de vida”. (…)

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Además, formaron parte de Escena Creativa 9 los siguientes artistas:

 

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Jose María Paolantonio y Héctor Calmet, el 7 de octubre de 2009 

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Marta Betoldi, el 9 de octubre de 2009

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Ernesto Korovsky, el 2 de noviembre de 2009

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Gabriela Prado, el 4 de noviembre de 2011

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La versatilidad en la actuación


Roberto Carnaghi en la Facultad el DC 12 de noviembre 2008

(…) ¿Cuáles son los medios de que se vale un actor para crear sus personajes, para hacerlos creíbles, para pasar de ser un simpático escritor en una obra para niños al más vil de los villanos en una tira televisiva? ¿Cuál es la versatilidad que debe tener para que su actuación sea eficaz tanto en teatro, como en cine o en televisión? ¿Cuál es la relación que se genera con los distintos directores, con los técnicos y con los miembros de los equipos creativos? Estas fueron algunas de las cuestiones que, desde su amplia y reconocida trayectoria, abordó el actor Roberto Carnaghi en el cierre de este ciclo. (…)

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"El trabajo del director es absorbente"


Expresó Patricio Contreras en la Facultad el 7 y 14 de noviembre de 2008

(…) El teatro es liberador por ese aspecto, permite explorar las fantasías”. En su experiencia personal, la actuación le permitió esas libertades, pero también una gran serie de desafíos: “Los grandes éxitos pueden convertirse en una jaula de oro, sobre todo si se prolongan varios años, ya que la rutina tiende al hartazgo. Ahí está el desafío del actor: tratar de hacer en cada función algo nuevo”. (…)

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"Yo prefiero trabajar con decorados porque hay más libertad"


Jorge Ferrari en la facultad el 17 y 24 de octubre de 2008

(…) “Se trata de una suma de individualidades que deben coincidir. El sonidista quiere que no vuele una mosca a 400 metros cuadrados, el productor que no se exceda el presupuesto y el director que esté todo perfecto en la locación, entre otros. Son una serie de guerreros combatiendo, por eso hay que saber hacer treguas, para poner en primer lugar a la película”. (…)

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"La comedia musical es un circo de tres pistas"


Expresó James Murray en la Facultad el 15 y 22 de Octubre de 2008

(…) James Murray comenzó su charla hablando sobre la historia y el panorama actual de ese tipo de espectáculos en Argentina: “La comedia musical es un circo de tres pistas. Recién en los últimos años, esta aventura de hacer musicales empieza a tomar auge acá en el país, si bien Pepe Cibrian ya venía trabajando su propia fórmula, como Drácula, con la que le fue muy bien. Luego, con el 1 a 1, vinieron de afuera producciones como Chicago y La bella y la bestia”. (…)

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"La producción es un trabajo netamente colectivo"


Expresó Gustavo Schraier el 19 y 26 de septiembre de 2008

(…) Otra de las tareas del productor es coordinar la recaudación de los fondos necesarios para llevar a cabo la obra: “Una obra de teatro comercial requiere, no sólo del capital del productor, sino de una serie de financiadores: desde sponsors a canjes comerciales y subsidios. Nuestro mainsponsor fue el Abasto, el principal aporte y con el cual de pautó una serie de acuerdos. Aparecieron otros sponsores menores que armaron una suerte de combo. (…)

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"El riesgo es importante, pero no de una manera caprichosa, sino con un sentido determinado"


Expresó Inés Estévez  en la Facultad el 19 y 26 de septiembre de 2008

(…)Comenzó su charla haciendo una breve introducción a su concepción del arte: “Cualquier expresión artística involucra este concepto de diseño y comunicación. Uno, conciente o inconcientemente, crea para comunicar algo a alguien. Cuando uno expresa, entra en juego cierta totalidad, que tiene que ver con la interacción y la unidad. Por ejemplo, si alguien tira una piedra a un lago desde una orilla, esta acción va a impactar en la otra orilla. Sobre todo hoy en día, que hay una tendencia a creerse separado del resto, la expresión creativa colabora a consolidar esa unidad. Eso es lo que a mí me interesa del arte. Si uno dice o brinda algo, tiene una responsabilidad. Personalmente, me gusta tratar de contribuir con ciertos valores que sean positivos para la sociedad.”(…)

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Seminario de autor en DC | Escena Creativa 7

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“Me gusta contar historias”


Expresó Luciano Suardi en la Facultad el  20 y 27 de junio de 2008

Explicitó que antes cuando le preguntaban por qué dirigía, contestaba simplemente “Me gusta contar historias” pero se dio cuenta de que lo fascinante de la dirección es la posibilidad de crear un mundo y que hay algo de jugar a ser “dios” en esa creación ya que en este mundo que se crea hay ciertas leyes que le dan entidad y el director tiene el poder de operar sobre esas leyes, de tomar decisiones sobre ese mundo: “Uno como director, tiene la posibilidad de poetizar sobre la realidad a través de los múltiples lenguajes que tiene una puesta en escena.” (…)

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“El trabajo de producción de cualquier tipo de evento requiere poner el cuerpo”


Expresó Gabriel Caputo en la Facultad el 8 y 25 de junio de 2008

(…)Describió la figura del productor como alguien que debe tener inquietudes, estar actualizado en las modas, lo artístico, las tecnologías y las técnicas requeridas en las distintas áreas implicadas en la producción. (…)Una de las cosas más importantes a tener en cuenta para el armado de un evento son las normativas vigentes de la jurisdicción en la cual se va a realizar el montaje, ya que si no se respetan el espectáculo no es habilitado. (…)

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“Una ópera bien hecha es sublime, una mal hecha es ridícula”



Expresó Marcelo Lombardero en la facultad el 16 y 23 de mayo de 2008

(…) Explicó que uno de los trabajos más difíciles que tiene un director de escena es el coro. “El coro, como decía Berloz, es un mal necesario”, además de ser un gran volumen de gente, que puede variar entre treinta y ciento veinte personas, es un grupo de individuos que se vuelve inmanejable por momentos. (…)

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“Yo siempre quise ser actriz pero la vida me llevó por otros caminos”


Expresó Teresa Costantini en la Facultad el 23 de abril y 7 de mayo de 2008

(…) Frente al cuestionamiento de un participante de si no era un poco filoso trabajar en esos terrenos de la llamada memoria emotiva o con la técnica del "yo afectado" donde se pueden producir muchos desbordes, Costantini dijo "Yo estoy segura que nuestro trabajo creativo parte de lo conocido. Todos tenemos capacidad de abrirnos. Uno, como artista tiene que conocerse mucho, saber cuáles son loas zonas más vulnerables, uno aprende de la vida.(…)

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“El bailarín tiene una memoria especial en el cuerpo”


Expresó Oscar Araiz en la Facultad el 25 de abril y 2 de mayo de 2008

A pesar de admitir que prefiere evitar ciertas etiquetas, Oscar Araiz comenzó su charla hablando sobre qué significa ser coreógrafo. “En realidad, un coreógrafo es básicamente un coordinador que trabaja con el cuerpo, el espacio y el tiempo”, dijo y luego agregó que “el coreógrafo, al trabajar con las artes espaciales, toma en cuenta la altura, el color, el ritmo, los movimientos, la palabra, el silencio, entre otros. El cruce de esos elementos es la danza”. (…)

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Además, formaron parte de Escena Creativa 7 los siguientes artistas:

 

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Sergio Renán, el 30 de noviembre de 2007

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Roberto Castro, el 8 de noviembre de 2007

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Daniel Suárez Marzal, presente el 1 y 8 de octubre de 2007

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Héctor Calmet y Diego Kogan, el 1 y 22 de octubre de 2007

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Carmen Baliero 5 de octubre de 2007

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Ana Alvarado, el 4 y el 11 de junio de 2007

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José Maria Muscari, presente el 6 de junio de 2007

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Omar Pacheco, el 9 y 23 de mayo de 2007

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Alejandro Tantanian, el 10 de abril de 2007

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Ernesto Jodos, el 12 de octubre de 2007

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Santiago Doria, el 17 y 24 de septiembre de 2007

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Carlos Gianni, el 19 de octubre de 2007

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Héctor Calmet y José María Paolantonio, el 21 de mayo de 2007


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Luis María Serra, el 26 de octubre de 2007


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